CAPITULO I
DE LA ANTIGÜEDAD AL SIGLO XIII
Nunca habrá consenso
sobre el principio del universo. Fue la Creación
o el Big Bang donde todo empezó o, no hay un principio ni un final y el universo ha existido y existirá por siempre como decía
Aristóteles. San Agustín
aceptaba una fecha
-‐35,000 años antes
de Cristo-‐ como la fecha
de la Creación de acuerdo
con el libro del Génesis.
Según varias cosmológias
primitivas de la tradición judía, cristiana y musulmana, el universo empezó
en un tiempo finito en el pasado:
"10,000 a 20,000
millones de años en que la densidad del universo era infinita y se produjo
el Big Bang o el comienzo del universo" dice Stephen
Hawking en su libro La Teoría
del Todo.
Lo cierto es que existen
objetos de piedra
para cazar y pescar y esculturas muy pequeñas que pretenden representar la preservación de la humanidad
(Venus) o quizás
un sentido místico-‐religioso para aplacar la eterna incertidumbre del ser humano
sobre su destino final.
Dichos objetos fueron
tallados por seres
humanos (Neandertal, Homo sapiens ) aproximadamente hace 40,000 años antes de Cristo. Este periodo de los trabajos en piedra se conoce
como Paleolítico y los objetos fueron
encontrados en Europa Occidental. Las pinturas rupestres
encontradas al sur de Francia
( Lascaux), en el norte de España (Altamira) y recientemente en Indonesia representando hombres rústicos y sobretodo animales,
se remontan alrededor
de 15,000 a.C. Estos murales
son las pinturas más antiguas que se conocen.
Los glaciares se retiran y se extinguen
los dinosaurios 10,000 años a.C.
Entre el 9,000 y el 5,000 a.C se encuentran vestigios de agricultura en el sudeste
de Europa y se domestican cerdos (Siria y Turquía)
En Asia en el 5,000 a.C surge Mesopotania entre los ríos Tigris y Eufrates
(Irán, Persia) zona que es seriamente afectada
por el Diluvio Universal en el 3,500 a.C. En
el 3,000 a.C. los sumerios
crean ciudades-‐estados con su propio
rey, ricas y firmes que comercializan entre sí (Ur, Uruk, Nippur,
Eridu, Lagash). En este periodo
ya abundan las estatuas en piedra caliza
y las estelas y se crea la escritura jeroglífica.
En África, Egipto
aparece en el 3,000 a.C. Su primer
faraón Narmer lo unifica 100
años después
y en 1,166 a.C muere Ramses III el último gran faraón.
Mención especial en este Imperio
merece el Río Nilo centró
de esta civilización y en cuyas riberas se suceden
todos los grandes acontecimientos.
Se estima que Caral, la ciudadela más antigua de América, ubicada
al norte de Lima y
declarada Patrimonio Cultural
de la Humanidad por la UNESCO en el 2009, tiene 5,000 años de antigüedad (3,000
a.C y 2,000 d.C).
A las grandes
eras de la prehistoria ( períodos Paleolítico y Neolitico) que se desenvuelve
en miles de años y se trabaja
sólo la piedra,
sigue la Edad de los Metales ( bronce,cobre, hierro ) que se inicia
en el Oriente en el 3,500 a.C y en Occidente en el
2,500 a.C. El descubrimiento y la elaboración de los metales
constituyó una gran revolución en las técnicas
del hombre pues se inició el arado
y cultivo de las tierras
pero también el descubrimiento de nuevas y poderosas armas
de agresión y conquista.
Los semíticas de Babilonia con su rey Hamurabi, reemplazan a los sumerios, acadiós y a los maris entre los ríos Tigre y el Eufrates hacia el 2,000 d.C para luego dar paso a los
asirios en el siglo XIII a.C. En el 539 a.C los persas (Irán)
con sus líderes
Ciro, Darío y el hijo de
este Jerjes, son reconocidos guerreros y arquitectos de templos fantásticos y jardines
colgantes, hasta su descalabro en Salamina
en el 480 a.C en que son sometidos por los
griegos. No se puede dejar de mencionar a los Hititas
y Hebreos que vivieron los primeros
en Anatolia, Turquía y los segundos en la actual
Palestina/Israel entre el 2,750 y el 900 a.C.
Los Hebreos se desenvuelven en los reputados
reinos de David y Salomón.
Entre el 2,100 y el 2,000 a.C se construye Stonehenge en Inglaterra
El mundo Egeo llenó de mitos y leyendas con escenario el mar, precede
al Griego en
Creta entre el 2,000 y 1,500 a.C.
Grecia domina Europa
y el norte de África entre el siglo V a.C y el año 100 a.C y se constituye en una potencia
democrática, cultural y militar conquistando a los persas y a los
egipcios en el 490 a.C y en el 332 a.C respectivamente, con su gran estratega Alejandro Magno. El genio Aristóteles nace en el 384 a.C y muere en el 322 a.C. Roma conquista
Italia a través de las guerras púnicas
entre el 264 y el 149 a.C y se convierte en la potencia de toda Europa hasta el 476 d.C en que sucumbe Rómulo Agústulu el último emperador
de la Roma Occidental.
Roma y Grecia se traslapan en el arte de comienzos
del primer milenio.
Si la cultura griega
era mejor y en muchos aspectos más avanzada que la romana
¿por qué no copiarla?
aparentemente fue la consigna romana.
Cristo revoluciona el Imperio Romano
y tres siglos después de su nacimiento, Roma se convierte al cristianismo cuando
gobernaba el Imperio
Romano el legendario general y luego Emperador Constantino quien traslada la capital del Imperio a Constantinopla en el
330 d.C. El cristianismo fortalece el arte oriental
y genera el Arte Bizantino
entre el 500-‐ 1200 d.C con remarcada influencia en el Mar Negró, es decir en Turquía y Rusia.
Hacia el siglo VIII d.C, el Imperio
Franco de Carlomagno sustituye a los romanos-‐
bizantinos y conquista Alemania,
los Paises Bajos y casi toda Italia.
Carlomagno también inicía una recuperación cultural
que influyó decisivamente en la evolución del arte medieval
de "los bárbaros" adoptando el latín como lengua
lo que permitio preservar la frondosa literatura romana.
En este Capítulo
muy particular por cierto, no es fácil mencionar artistas
pero si obras de arte. Se dice que la Historia
del Arte es la historia
de las obras mas no de los hombres que las hicieron.
En mi opinión, después de la Antigüedad es la de ambos, pues sólo
en dicho periodo
la mayoría de las obras de arte son anónimas
como veremos a continuación.
La "escultura" mas antigua que he visto es una de las pequeñas Venus de Willendorf hecha
de piedra caliza,
descubierta en 1908 en Willendorf-‐Austria y de una altura inferior a los 12cm, que se encuentra
en el Museo de Historia
Natural de Vienna.
Se dice que se esculpieron
muchas de estas entre los siglos 35,000
y 25,000 a.C.y sin duda tienen
que ver con la fertilidad debido al esfuerzo
desplegado en esculpir
los senos antes que otros organos, destaca también el cabello rizado.
Visité las cuevas de Altamira en España donde pude apreciar
el arte rupestre entre 12,000 y 25,000 años a.C. Impresiona el interés del ser humano
por reproducir la realidad.
En Egipto
destaca la arquitectura y dentro de esta la de las pirámides de Gizeh (Keops
,Kefren y Mikerino) construidas entre el 2,600 y 2,700 a.C, así como la esfinge
vecina y la
posterior Gran Piramide de Khufu construida en el 2,540 a.C. La obsesión por la muerte
se refleja en papiros y pergaminos guardados
en las tumbas reales como la de Tutankamon.
Los egipcios utilizaron la madera y son muy valiosas
sus esculturas como la de la Reina Nefertiti y la máscara
de oro de Tutankhamen.
Son muchos los legados de artistas griegos
y romanos que encontramos a lo largo del
Mediterráneo que se proyectan por el norte hasta el Reino Unido sin llegar a la indomable Escocia (Caledonia de los celtas).
Entre los años 500 a.C y el 1200 d.C son estas potencias
políticas, militares, culturales, deportivas, las que marcan una larga parte de Europa
y Medio Oriente con obras
sin precedentes sobretodo en arquitectura
pero también en escultura y en mucho
menor medida en pintura. Atenas
y su Partenón, Pergamo y el Altar de Zeus ahora en Berlín, las esculturas de jóvenes como el Discóbolo
y el Galo moribundo y los estudios de astronomía realizados por Aristóteles nos presentan una Grecia de niveles culturales mas allá de su tiempo.
El Laocoonte escultura
griega del siglo I a.C es
decir del helenismo tardío, tiene una indudable influencia en el Renacimiento.
Con indudables traslapes
griegos, Roma no se queda atrás sobretodo
en arquitectura. A lo que contiene
dicha ciudad y lugares vecinos
en la Europa Occidental, se suman Alejandría (Egipto), Herash (Jordania) y Efeso (Turquía)
ciudades descentralizadas que conservan
hasta hoy la cultura romana
que les da origen.
En el siglo
IV a.C el Arte Bizantino toma el lugar
del greco-‐romano y se construye
la majestuosa Santa Sofía en Estambul,
abriendo paso a los iconos
(Vírgenes del Perpetuo Socorro) casi todos anónimos
en Rusia y Grecia. Por muchos siglos
el tema cristiano-‐ bizantino
predomina en el arte de Europa Occidental. Los primeros pintores
de cuadros
reconocidos en Italia (Cimanbue, Giotto,
Massacio) pintan retablos
de estilo gótico
con temas religiosos.
El Libro de Kells escrito en Iona, Escocia en el 800 d.C es una mezcla
valiosa del cristianismo de avanzada de San Patricio
y la cultura primitiva celta de la zona, tendencia mundial de sobrellevar el progreso sin eliminar lo autóctono. La letra o capitular de cada
separata es una obra de arte de pintura
que precede a los retablos
con pinturas encontrados en Italia en los años 1,300 d.C
Entre los años 1,000 y 1,300 d.C se dejan sentir el Arte Románico
y el Gótico
Primitivo de la Edad Media entre los avatares
de las fundaciones religiosas como Cluny en Francia y las aventuras
de los cruzados en Oriente.
Datan de esta época la Catedral de Santiago de Compostela(1120), Saint Denis en las afueras
de Paris(1144), Chartres(1194) y la Sainte
Chapelle en París(1243).
En America los mayas con Chichen-‐ Itza en la Rivera
Maya, los aztecas
con las pirámides del sol y la luna cerca de Ciudad de México y los incas
con Machu-‐Pichu se hacen presentes en la arquitectura "precolombina" del 1,400 d.C . Sin embargo
es importante destacar
que entre el 500 a.C y 1, 200 d.C se desarrollan en el Perú las
culturas Cupisnique, Chavin,
Paracas, Nasca, Moche,
Huari, Lambayeque y Chimu que luego dieron paso a la Inca. Estas culturas
si bien no conocieron la escritura, legaron ciudadelas,
y monumentos religiosos construidos de barro
así como cerámica
y orfebrería de oro y plata que vienen siendo descubiertos en forma significativa en los últimos
años.
CAPITULO II
GOTICO Y PRIMER RENACIMIENTO
1,300 -‐ 1,500
Varios autores
coinciden en que el término
Renacimiento se uso por primera
vez recién en el siglo XIX para describir
el resurgimiento del saber clásico
en la Italia del siglo
XV. Asimismo, se utilizó la palabra gótico para describir
un estilo arquitectónico bárbaro, el del pueblo godo, que destruyó
la gloria del arte y la arquitectura de los griegos
y romanos en los siglos
XIII y XIV.
Hablar de Gótico
y Primer Renacimiento es hablar del Medioevo o Edad Media mezclado con el glorioso
pasado greco-‐romano pero dentro del sentido cristiano. Gótico son catedrales e iglesias construidas en los siglos
XIII y XIV especialmente en Alemania, Francia,
Inglaterra y los Países Bajos conteniendo valiosos
vitrales, rosetas y rosetones.
Con la excepción de los Países
Bajos y Alemania, en los otros países
no abundan las
pinturas y esculturas. El Primer Renacimiento es el comienzo
de un periodo glorioso en la
historia de Occidente sobretodo en el Arte y la Ciencia conocido
como El Renacimiento.
La Europa del 1300 no estaba lista para resurgir, por el contrario
la peste de 1346, la interminable guerra
entre Inglaterra y Francia, la invasión mongólica a Europa del Este y la fragmentación política y religiosa
la limitaban. Sin embargo el comercio
con las indias estaba en su apogeo y los puertos
de Génova y Venecia eran testigos de esto. Los comerciantes italianos se convirtieron en generosos mecenas
de los entonces potenciales
artistas entre los que destacan
los Medici en Florencia. Los pintores inician la pintura
sobre canvas y dejan el arte rupestre.
Giotto di Bondone
(1267-‐1337) pintor realista, es el precursor más conocido de la
pintura del primer renacimiento. De origen humilde
es descubierto por el inquieto Cimabue (1287) en la Florencia en apogeo. Influenció en Daddy y Gaddy y posteriormente en los frailes
Lippi y Angelico en el siglo XV. Los frescos
son las pinturas
que predominan como aquellos
que se observan en la capilla Scrovegni
en Padua. Giotto es precursor
de las primeras pinturas sobre canvas y diseña obras
arquitectónicas de trascendencia como el campanario de la Catedral
de Florencia. En Siena destaca
Duccio Buoninsegna ( 1255-‐ 1319) quien pintó en el tradicional estilo bizantino innovando
a través del gótico-‐ internacional.
Los ojos almendrados y narices alargadas
es una de las características de la pintura
en este periodo donde la perspectiva aparece
con timidez.
Mención especial en la escultura del periodo merece
Donatello (1435-‐1453) predecesor de Michelangello y protegido en su vida dispendiosa por el mecenas
Cosme de Medici.
Sucede a Giotto
como afamado pintor
Alessandro Botticelli (1445-‐1510),
quien pintó eventos religiosos trascendentes como sus adoraciones de los reyes
magos y también cuadros mitológicos como El Nacimiento de Venus. Su estilo es refinado y hasta femenino.
Los Bellini,
padre e hijos desde Venecia
nos deslumbran con la luz de sus pinturas, de dicha ciudad y sus retablos
y retratos así como Mantegna
( 1431-‐ 1506) lo hace en Padua.
Pero el Primer Renacimiento no es monopolio de Italia. En los Países
Bajos van Eyck ( 1390-‐ 1441),
van der Weyden
( 1399-‐1464) y Robert Campin
( 1378-‐1444) destacan
por sus " rasgos microscópicos" tomados de la vida real sobretodo en cuadros contratados por ricos comerciantes como el italiano
Arnolfini quien deja el recuerdo
de su matrimonio plasmado en una espectacular obra de arte.
Hieronymus Bosch (1450-‐1516) -‐el Bosco-‐ es el último y quizás el más grande
de los
pintores medievales con sus obras complejas
y moralizadoras que nos asemejan
dibujos animados. Bosch es predecesor del Surrealismo francés
y el Dadaismo suizo, de la época de
Bretón y Tzara ( 1920 )
En Alemania Lucas Cranach
(1472-‐1553), Grunewald (1470-‐1528) y Alberto Durero ( 1471-‐1528) con estilo sobrio
y algo dramático son prototipos de un oscuro
medioevo por terminar en Europa Occidental en la primera
parte del siglo XVI y dar paso al
Renacimiento. Desde qué estos tres pintores alemanes
son un puente entre el Gótico
y el Renacimiento los mencionaremos nuevamente en el siguiente capítulo.
CAPITULO III
RENACIMIENTO Y MANIERISMO
1,500 -‐ 1,700
Empezamos el Capitulo
II con la descripción simple
y clara de Renacimiento que utiliza Cumming
"el resurgimiento del saber clásico."
La conocida y ya antigua
Enciclopedia SOPENA define en una forma más amplia el
Renacimiento como: " Época que comienza
a mediados del siglo XV y se caracteriza por el
vivo entusiasmo que se despertó
en Occidente por el estudio
e imitación de la antiguedad clásica griega y romana........Su mayor apogeo tuvo lugar en la primera
mitad del siglo XVI........No sólo las Bellas Artes sino también las Bellas Letras,
y la Astronomía participaron de este movimiento que se caracterizo por la renovación de las doctrinas antiguas o sea la imitación de la antigüedad..."
El Renacimiento en general, es un periodo
de grandes descubrimientos para la humanidad en diversas disciplinas.
En la pintura
del Renacimiento es Leonardo da Vinci el máximo exponente. Le siguen en Florencia Michelangelo y Rafael quienes
logran la armonía
en sus pinturas en forma nunca alcanzada por la humanidad. En Venecia el Renacimiento se caracteriza por luz y color tendiendo
a la perfección en la interpretación de personas y paisajes como lo
muestran las pinturas de Tiziano,
Bellini y Giorgone. En Parma destaca
Correggio. Considero que estos personajes de la historia
de la pintura merecen ser analizados con mayor detenimiento lo que haré posteriormente dentro de este capítulo.
Los arquitectos renacentistas que trascendieron fueron Bramante y Brunelleschi
uno con la Basilica de San Pedro y el otro con la Catedral
de Florencia asi como Sansovino con La Biblioteca de Venezia.
Como mencionamos en el Capitulo
"Gótico y Primer
Renacimiento" en la Italia del siglo XV, Giotto inauguró
una serie de nuevas tendencias en la pintura
como el uso del canvas. Los artistas italianos
se volcaron a las matemáticas para estudiar las leyes de perspectiva y a la anatomía para estudiar la contextura del cuerpo humano.
Hasta fines del Siglo XVI sucesores
italianos sobretodo Botticelli y los mencionados líneas arriba, fueron sofisticando las pinturas tanto en técnicas
como en colores y estilo
tendiendo cada vez mas a la perfección.
romano.
En escultura Donatello y Miguel
Ángel igualaron o quizás superaron el arte greco
Pero el Renacimiento no fue privilegio de Italia donde
efectivamente alcanzó la cima
especialmente en la Florencia de los Medici,
el Vaticano siendo Papa Julio II y la
Venecia de los duques. En España llego a través
del plateresco estilo ornamental inspirado en la orfebrería que se patentiza
en las catedrales y fachadas
de un lujo suntuoso que se translada
a America en tiempo de la Colonia.
Destacan en la pintura Velásquez
y también El Greco, posteriormente reconocido manierista.
Hijos del Renacimiento fueron infinidad de hombres ilustres
entre los que sobresalen además
de los pintores arquitectos y escultores mencionados, Shakespeare y Cervantes
; Galileo; San Ignacio de Loyola; Carlos V y Francisco I; cuya destacada
personalidad y genio artístico basta para considerar "el movimiento renacentista como uno de los más provechosos de los registrados en el transcurso de la historia
de la civilización occidental."
Volviendo a la pintura, identificamos el periodo conocido
como Alto Renacimiento el
comienzo del 1500. Durante este periodo producen
los mejores pintores
de todos los tiempos. Florencia como ciudad y Leonardo
da Vinci ( 1452-‐ 1519) como artista
se llevan la gloria.
Da Vinci fue alumno del escultor Verrocchio (1435-‐1519), donde aprendió las técnicas de fundición y trabajo con metales. Pero Leonardo fue un genio y su talento
destacó no sólo en la pintura
sino también en la escultura y la ingeniería militar, mecánica, música etc. Creador
de la técnica del "sfumato" o paisaje difuso,
dejo muy poco escrito, quizás para no enfrentarse a la Iglesia
pues sus descubrimientos en varios campos podrían
considerarse herejías como le sucedía a Copérnico con la Astronomía al afirmar que era el sol inmovil y no la tierra el centro del universo. Siendo
zurdo escribía de derecha a izquierda para que sus escritos pudieran
ser leídos solo en un espejo. La Ultima Cena, las
madonas, Mona Lisa, serán los cuadros más apreciados por la humanidad
por muchos siglos.
Después de Leonardo
esta Michelangelo, Michelangelo Buonarroti (1475-‐1564)
también Florentino y 23 años menor que Leonardo pero le sobrevivió por 45 años.
Fue alumno del pintor Ghirladajo y estudio detenidamente el trabajo de sus antepasados Giotto, Massacio, Donatello y los escultores griegos y romanos.
Protegido de los Medici y su
círculo de mecenas
analizó profundamente la anatomía humana a tal punto que no había movimiento del hombre que no pudiera reproducir en pinturas y esculturas. Su obra
maestra, pese a su constante
reclamo que el no era pintor de frescos, son los frescos
de la Capilla Sixtina en el Vaticano
pintados entre 1508 y 1512. En estos destaca el detalle de la
creación del hombre
que refleja la teologia del cristianismo donde La Creación
se contrapone a La Teoría de la Evolucion
de Darwin. La escultura del esclavo moribundo demuestra cuanto llego
a conocer Miguel
Angel del cuerpo
humano y sus movimientos.
Cuando Leonardo y Michelangelo competían
en Florencia a principios del siglo XVI-‐ Cinquecento-‐ un joven pintor venido
de Umbría de la escuela
del Perugino llamado
Rafael Santi (1483-‐ 1520) empezaba a destacar en los palacios del Papa Julio II.
Su delicado diseño y su composición balanceada se contraponen al conocimiento de Leonardo y la
fuerza de Michelangelo, como lo demuestra
en La Ninfa Galatea pintada
en 1514.
En la misma época surgen los venecianos enfatizando en los colores. Bellini, Giorgione y Tiziano admiran
como nadie a los griegos
y romanos incluyendo detalles clásicos casi en todas sus pinturas.
Giovanni Bellini (1431?-‐ 1516) en sus pinturas religiosas sobretodo de madonas
da vida a
los personajes sin quitarles dignidad
en un colorido ambiente. Giorgione (1478-‐ 1510) se inspiró en la mística
realista de Bellini
con mucho colorido
en los personajes y paisajes. No se conoce más de cinco pinturas pintadas
por este artista
que murió muy joven, entre estas destaca
La Tempestad. Pero el más famoso
de los venecianos fue Tiziano
(1477?-‐ 1576) quien vivió hasta los 99 años teniendo
oportunidad de legarnos
muchas pinturas, sobretodo
de madonas, santos
y personas en las que se destaca
la habilidad del pintor para dibujar personajes en el sitio
adecuado resaltando al que se desea hacerlo
sin necesariamente ser el de mayor
jerarquía.
En
Padua, Antonio Allegri
-‐Correggio ( 1489-‐ 1534)
explotó el descubrimiento de la luz y el color
para abrirnos el cielo a los humanos
sobretodo en las cúpulas
y techos de iglesias.
El introduce la luz y el color en sus obras casi todas religiosas.
Fue
Alberto Durero, Albrecht
Durer (1471-‐1528) el más destacado
y conocido de los pintores renacentistas alemanes. Se interesó
en el grabado en cobre y madera en
portadas de libros y otros objetos.
Aparte de sus visiones apocalípticas destacan sus cuadros específicos de animales y plantas y sus paisajes
que crearon celos en pintores
de poca fama en Venecia
donde vivió. Sin duda y como mencionamos en el capítulo precedente, hay una relación
entre el arte de Durero
y el arte gótico. Da la impresión
que este pintor pone personas
muy bien constituidas dentro de paisajes
góticos como en sus
cuadros de Adán y Eva y del Nacimiento.
Matthias Grunewald o M.G.N nació en Aschaffenburg y fue admirador
de Correggio. Bajo la influencia del renacimiento italiano
trato de reformar
e innovar la pintura en su país. Alemania se detuvo en los edificios góticos y fueron
pintores como Durero
y Grunewald quienes
parecía pintaban cuadros
con personajes muy bien
estructurados para llenar las frías catedrales góticas
pero eso si, con un estilo sobrio
y dramático como la Crucifixión y la Resureccion.
Un tercer
famoso pintor alemán
destacó a principios del siglo XVI, Lucas Cranach(1472-‐ 1553). Admirador de los paisajes
de Giorgione, pinto paisajes del norte de Alemania que influenciaron a otros pintores
como Altdorfer.
Los Países Bajos no tuvieron en el Renacimiento tantos genios de la talla de van Eyck y el Bosco (Capitulo II) como sucedió
en el siglo XV.
Manierismo o Manerismo
es el nombre que se dio al "estilo artístico predominante del periodo entre el Renacimiento .....y el Barroco" y proviene de "maniere", es decir un estilo o manera creada
como reacción o rebeldía a la armonía
y perfección del Renacimiento. Este movimiento tiene su auge a mediados
del siglo XVI y finaliza
en Europa hacia 1700. Curiosamente es Rafael, un perfeccionista de la pintura renancentista, quien
antes de morir pinta las primeras pinturas
manieristas. Después de los Leonardos y las espectaculares pinturas de Miguel Ángel
"el arte se torna violento, nervioso,
desconcertante, y su estilo era a menudo espeluznante y contradictorio". Figuras distorsionadas, retorcidas, individuos que si se ponen
de pie son de una altura
desproporcionada, mucho colorido
y cuerpos aporcelanadas son las obras de arte que nos presentan los italianos: Rosso,
Pontormo, Tintoretto, Bronzino
y el Parmigianino quienes
vivieron entre fines del siglo XV y comienzos del XVII. La mayoría de estos rebeldes
tienen caracteres controvertidos y se movilizan por Italia y por Europa.
En 1527 Roma, la cuna del manierismo, es saqueada y la escuela
se extiende por Italia y
Francia llegando a Creta y luego a España con el genial
Domenikos Theotokópoulos -‐El
Greco-‐ a quien también
se le ubica dentro de la escuela
renacentista española.
Juan de Bolonia,
flamenco, bajo la protección de los Médicis
destaca como el escultor del manierismo con estatuas en miniatura y monumentales como El Rapto de las Sabinas.
CAPITULO IV
BARROCO
Quizás por haber vivido entre cuadros e iglesias de tendencia barrocas
en mi infancia, o por el placer que me brindó
el claro-‐obscuro o la luz y sombra en la pintura
en mi juventud, mas las decenas
de pinturas, fuentes,
esculturas, iglesias y palacios que he tenido la oportunidad de ver en América y Europa de estilo Barroco,
han hecho que este Capitulo haya sido el más difícil de escribir y el más largo de este trabajo sintetizado. Confieso que el estilo Barroco penetra
profundamente en mi y es el que me induce
a la devoción.
Que es Barroco?.
Cumming lo describe
como " .....algo
artificialmente extravagante y
complejo". En el libro de Gombrich -‐The Story of Art-‐ se le menciona como "....un termino empleado por críticos que pelearon contra
las tendencias reformistas del siglo
diecisiete.......usado por hombres
que insistían en que las formas de los edificios
clásicos nunca debieron ser usadas o combinadas
salvo en las formas adoptadas por griegos y romanos".
La reforma de la Iglesia
Católica y la contrarreforma liderada
fundamentalmente por los jesuitas, trajo un estilo arquitectónico que se difundió
por Europa Occidental y en el periodo colonial
español se trasladó
a América Latina rompiendo con las formas redondas y simétricas del Renacimiento. "..... las iglesias ahora debían ser en forma de cruz, coronada por una soberbia
cúpula y en medio la nave principal
que remata en el
altar mayor donde se reúne la asamblea
de fieles". Para fomentar la devoción a santos y vírgenes venida
a menos con los reformistas, las naves de los costados
deberían albergar capillas con altares
siendo las más destacadas las ubicadas al final de los brazos
de la cruz. En las fachadas
e interiores debían
predominar detalles del arte clásico
sobretodo columnas o medias
columnas simétricas. Las iglesias barrocas
son "pesadas"si se comparan con aquellas diseñadas por Brunelleschi o Bramante en el Renacimiento. El Barroco debe romper
con la ruta equivocada que tomo el arte después
del Renacimiento es decir
con el Manierismo y parcialmente el estilo Neoclásico. Las reformas eran contraproducentes, de nuevo había que retornar
al pasado, a lo clásico.
El mundo no se debía desviar.
Dos artistas de la pintura
predominan en Roma en las discusiones al comienzo del Barroco. Uno era Annibale
Carracci ( 1560-‐
1609) y sus hermanos Ludovico
y Agostino de Bologna y el otro Michelangelo Merisi
da Caravaggio (1565?-‐ 1610) de un pequeño pueblo cerca de Milán. Ambos estaban cansados
del manierismo y fascinados con el efecto del
claro obscuro,
sin embargo quizás
por su origen y trayectoria opuestas, lo enfocaban
de diversos ángulos.
Carracci era un miembro de una familia de pintores, que estudió arte en
la Venecia de Correggio. En Roma fue influenciado por Rafael y pretendió ser un pintor místico religioso. Caravaggio en cambio
tenía un temperamento salvaje, y por su extrema violencia fue acusado de asesinato. Murió a los 38 años de malaria.
Buscaba la verdad
y en sus cuadros
la belleza mística
es reemplazada por pies con barro y apóstoles sudando
con caras auténticas y cuerpos extremadamente naturales o reales
entre los que se presentan martirios sangrientos. Creo que no me equivoco
al mencionar que si bien hay muchos pintores empeñados en "mostrar la realidad "
como tiene que ser en el arte, el premio se lo lleva Caravaggio.
El Barroco prevaleció entre el último decenio del siglo XVI y hasta fines del siglo
XVII y fue el signo de la división ideológica entre reformista y sus opositores.
No sólo domina
Italia y España
sino también la Inglaterra de Carlos I, los Países
Bajos y Austria de los Habsburgos así como la Rusia de los zares y la Francia de los luises. Gobernantes déspotas la mayoría
de los cuales fueron ejecutados. Podemos decir que el
Barroco se puso muy de moda en aquellos lugares
donde predominaban las monarquías
absolutistas y ante todo estaba
su poder absoluto, sus riquezas y su estilo de vida.
Versalles por su arquitectura, decoración interior, poder político
y estilo de vida es quizás
el mejor ejemplo del absolutismo y del Barroco
en Europa.
Nadie como Gianlorenzo Bernini ( 1598-‐1680) dominó la arquitectura y la escultura barroca.
La capilla Cornaro
dentro de la la iglesia
de Santa María della Vittoria
en Roma es una " impresionante amalgama de pintura,
escultura y arquitectura barroca.....". En la parte superior del altar mayor está la escultura Extasis de Santa Teresa, que destaca
no sólo por su belleza
como escultura sino que "
juega con la luz para conseguir la ilusión
de una estructura viva". Son muchas las iglesias, esculturas y fuentes de Bernini que se encuentran en Roma y como si fuera poco, la plaza central del Vaticano esta rodeada por la Columnata
de Bernini. El Badalquino de San Pedro con columnas
salomónicas, lugar sagrado por excelencia, el más insigne
monumento de la cristiandad en el altar mayor de la Basílica
de San Pedro, es obra de Bernini.
Pietro da Cortona
( 1596-‐ 1669)
y Luca Giordano (1634-‐1705) son decoradores
místicos y mitológicos que modificaban la monotonía de los techos de Palacios
e iglesias para abrirlos
al cielo y sus habitantes. En Venecia Tiepolo
(1696-‐1770) con sus pinturas algunas mitológicas y otras sobre el quehacer diario y Canaletto
con sus enormes cuadros de paisajes
venecianos y de Londres en los que destaca la luz y sombra.
Cumming sintetiza a cabalidad la temática del Barroco: "En
el barroco el tema
estrella fue siempre la religión
sobre todo las vidas de santos y mártires incluidos
santos recientes (de esa época) como San Ignacio
de Loyola, fundador
de los jesuitas y la mística española Santa Teresa de Ávila ( ambos canonizados en 1622). Los personajes mitológicos
........se usaron
para ilustrar los ideales religiosos sobre la pureza.
También eran comunes las estatuas de figuras
alegóricas -‐ paz, fe, modestia, castidad-‐. Los retratos tendían
a ser rimbombantes y afectadamente dramáticos. Aún así, lo común
encontró su lugar en
escenas cuidadosamente iluminadas que incluían tabernas, jugadores de cartas
,vendedores de agua, niños comiendo fruta etc"
Nicolás Poussin ( 1593-‐1665) y Claude Lorrain
(1600-‐ 1682) ambos nacidos en Francia fueron maestros en la presentación realista de la naturaleza, destacando sus pinturas alegóricas con árboles muy bien logrados.
Pero nadie como Georges de la Tour (1593-‐ 1652) representa el realismo barroco a la "luz de una vela"
en obras escasas que recién se vienen rescatando.
En los Países Bajos, el artista que tuvo la mayor cercanía
a los barrocos italianos
Carracci y Caravaggio así como a los franceses Poussin
y Lorraine fue el flamenco
Pedro Pablo Rubens (1577-‐1640) conocido como el "principe de la luz" especialmente cuando se le compara
con su coetáneo barroco Rembrant
van Rijn el "príncipe de la oscuridad". Vivió en Roma entre el 1600 y el 1608 sin tomar partido
por ninguno de los bandos barrocos de la época.
Siempre se consideró
un pintor flamenco
admirador del campo y la naturaleza de su tierra
como Van Eyck, van der Weyden y Brueghel. En 1608 vuelve
a Amberes donde ejerce
diversas actividades además
de pintor con excelente dominio
de la brocha. Se desempeña como diplomático, hombre
de negocios y erudito. Se le consideró la máxima figura y la de más influencia en el arte barroco en el norte de Europa.
Fue muy prolijo en la pintura y tuvo muchos asistentes entre ellos a Antón van Dyck (1599-‐ 1641) siendo a veces difícil
de diferenciar entre los cuadros
de Rubens y de Van Dyck.
Así cómo Rubens
y sus seguidores dominaron Flandes,
en Holanda Rembrant van Rijn ( 1606-‐1669), Frans
Hals ( 1580-‐1666) y Jan Vermeer
de Delft ( 1632-‐1675) fueron
los barrocos más destacados. El primero "....es el pintor de rostro más profundo del humanismo protestante, tan universal
en su individualidad que se relaciona con las
fuentes de la más auténtica
religiosidad, sin excluir la hebrea, a la que parece ligado por indefinibles rasgos....." como dice Pischel en su
Historia Universal del Arte. Rembrant
se inspira en Caravaggio y maneja en forma brillante la luz y sombra predominantes del estilo. El mira al hombre en su profundidad no en su exterior sino en su interior, su grandeza y su miseria.
Sus cuadros necesitan
de un gran vacío en las paredes, cuidada
iluminación, soledad. Sus obras más famosos son sus
múltiples autorretratos, la Guardia Nocturna
y la Leccion de Anatomía.
Hals se concentra sobretodo en figuras pictóricas con seres humanos
vivientes, llenos de vida comodidad
y naturalidad que toman animación
a través de pinceladas, que por su ímpetu, parecen pura improvisación,eso lo vemos en retratos como el de van Heythusen.
Vermeer por su parte es una generación más joven que Rembrandt y no tuvo ni maestros ni discípulos. Es un maestro de la armonía
y el equilibrio en ambientes interiores muy flamencos
como lo muestra en el Taller del Artista. La Joven de la Perla se hizo famosa por su versión
cinematográfica; la Mujer del Sombrero
Rojo así como la Vista de Delft están
entre sus obras más apreciadas.
Si se habla del barroco en los Países
Bajos no se puede dejar de mencionar
a Jan Steen y Pieter de Hooch y sus espléndidas obras: Fiesta del Bautismo aún en una colección privada en Londres y la Despensa en el Rijksmuseum.
José Ribera (1591-‐1652), Francisco de Zurbarán (1598-‐1664) y Diego
Rodríguez de Silva y Velásquez (1599-‐1660) coetáneos, destacan
en la España Barroca de la primera mitad del siglo XVII.
Posteriormente se suma Bartolome Esteban
Murillo ( 1617-‐ 1682).
Todos ellos son integrantes del Siglo de Oro Español-‐XVII-‐ que si bien coincide con periodos políticos y económicos desfavorables para el país son años espectaculares en lo
que al arte y literatura respecta. Aparte de los pintores
mencionados también es el siglo de
literatos de la talla de Cervantes, Góngora
y Lope de Vega.
No hay duda de la influencia caravaggesca en Ribera con predominio de claro-‐
obscuros,
sin embargo
esta no es clara en Zurbarán quien da un mayor vigor a sus pinturas, tiende
a salir del negro y rechaza
la minuciosidad del detalle en busca de lo esencial
de la obra. Velásquez educado por su suegro
Pacheco, se expresa con verdad, aspereza, espontaneidad en pinceladas rápidas y pastosas. Gracias a los buenos oficios
del Conde Duque de Olivares
este pintor penetra
en la corte de Felipe
IV y pinta cerca de 80 retratos de miembros de la familia real y 60 de cortesanos y bufones.
A continuación se mencionan
las principales obras de los pintores mencionados:
Ribera: Martirio de San Bartolomé, Magdalena, Patizambo.
Zurbarán: Muerte de San Buenaventura, San Serapio, Frailes.
Velásquez: Meninas, El Conde Duque
de Olivares, El Infante
Baltazar Carlos, El Aguador, Cristo, Fragua de Vulcano, Rendición de Breda.
La segunda
mitad del Siglo de Oro esta dominada
en España por Bartolome Esteban Murillo (1617-‐1682) quien pinta con ternura
temas religiosos como las inmaculadas y también motivos
de la realidad cotidiana como los Muchachos Comiendo Fruta, Niños Espulgando, atestiguando su color claro y suave.
La Colonia trajo a América
Latina muchos cuadros
barrocos los cuales sirvieron para decorar iglesias
y mansiones y también para que los mestizos y nativos los imiten
utilizando en algunas oportunidades naturaleza aborigen como llamas en vez de caballos
o productos de pan llevar. Santiago
Matamoros fue reproducido matando indios en la
pintura y escultura barroca latinoamericana.
En arquitectura destacan
en España las catedrales barrocas
de Toledo y Santiago
de Compostela y en América
Latina son muchas
las catedrales e iglesias barrocas
construidas por las órdenes
religiosas durante la Colonia y reconstruidas en muchas
oportunidades después de los terremotos, no siempre respetando las características
originales.
CAPITULO V
ROCOCO Y NEOCLASICO
1700-‐1800
En el centro del pensamiento del siglo XVIII estaba la ILUSTRACION es decir se creía
que la razón humana ..."podía resolver los dilemas
políticos y religiosos, explicar
los actos del mundo,
del universo y de la naturaleza humana
y al final crear relaciones armoniosas de las que la tiranía,
la esclavitud y la opresión
serian eliminadas" (Cumming). La Ilustración fue una respuesta filosófica a lo que sus propulsores creían
"las tinieblas milenarias de la superstición". Se pretendió imponer
la razón sobre el oscurantismo. Fue el "Siglo de las Luces" que a mediados
del siglo XVIII concibió los derechos del hombre, la separación de poderes y el fin de la tiranía pero se cernió
sobre ella, paradójicamente el terror de la guillotina, la persecución, la barbarie y la guerra.
Pensadores de la talla de Montesquieu, Rousseau
y Voltaire y economistas como Quesnay y Adan Smith son los precursores de revueltas libertarias sin precedentes que desafortunadamente acabaron en el terror de Robespierre y finalmente con el dominio
del poder por un soldado
burgués con pretensiones de rey, Napoleón
Bonaparte.
La Revolución Francesa
no solo en ese país, sino que también en el mundo es el apogeo de este periodo,
comparable en la historia con lo que fueron los principios que surgieron de la Revolución Americana "all men are created
equal....", la reacción
a la Revolución Industrial en Inglaterra, las guerras de independencia en América
Latina y la posterior revuelta bolchevique en Rusia en el siglo XX.
Nunca antes las cortes
se habían llenado
de tanto lujo y despotismo en periodos tan largos en el tiempo (1750-‐ 1917) como en la Francia
de los luises y la Rusia de Pedro y Catalina lo que provocó
el descontento despiadado de los no-‐nobles, sobretodo la burguesía de las ciudades periféricas. En America Latina la corrupción, el abuso, el desprecio mutuo incitaron a la violencia. En Londres y las ciudades
industrializadas de Inglaterra
predominó la explotación de hombres, mujeres
y niños.
Los enciclopedistas, y en general
el Siglo Ilustrado
donde se fomenta
la libertad e igualdad
del individuo contrastan con un Napoleón ambicioso
y con complejo monárquico, producto
de la parte internacional-‐bélica de la Revolución Francesa, soldado, cuyo afán de conquista crea
un paréntesis-‐no
deseado-‐ en la civilización, el cual desentona con el orden de los acontecimientos en la historia
de la humanidad, casi tanto como Hitler
desentonó a mediados
del siglo XX.
El Rococo y sobretodo el Neoclásico representan a la Academia, al "status -‐quo", es decir el arte dentro
de ciertos parámetros establecidos desde el Renacimiento y el
Barroco contra el que se rebelarán posteriormente los Románticos y los Impresionistas. Napoleon fomenta
y defiende este status-‐quo
y es casi el mecenas
del periodo.
Jean Antoine Watteau(1684-‐1721) de familia pobre y con mala salud escenógrafo
de la Opera de París y miembro
de la Academia, es famoso por haber creado la clave del Rococo, es decir la "fete galante
" o la fiesta de cortejo o galanteo, donde "hay sitio de sobra para el amor y la galantería rodeados de naturaleza" El Embarque a Citera es un
ejemplo de lo mencionado.
François Boucher favorito
de la Pompadour y diseñador
de recargados tapices,
trabajó en
porcelana con "abundantes figuras
de carne suave y rosada
entre la vegetación frondosa y falsa....". Observar el cuadro Baco y Erigone o Venus en el Tocador
de este artista nos reafirma que es el Rococo. Jean-‐Honoré Fragonard(1732-‐1806) en su obra El Columpio presenta el rococo clásico
con las características en el vestir
y la naturaleza descritas líneas arriba. Destacan también en Francia: Chardin
(1699-‐ 1779) con escenas
rococos de la vida
diaria, Oudry(1686-‐ 1755) y sus bodegones y
Corot (1796-‐1875) con sus paisajes.
En Italia los Tiepolo padre
e hijo, Giambattista (1696-‐1770 )y Giandomenico (1727-‐
1804) van mas por el rococo religioso que por el romántico, sin embargo el hijo no se iguala al padre en la inspiración celestial, mas bien este pinta lo cotidiano del cielo.
En Venecia deja profunda huella Canaleto, Giovanni
Antonio Canal (1697-‐1768) quien es fácilmente identificado por el tamaño gigantesco de sus cuadros
de Londres y sobretodo
de Venecia (Vedutta-‐ vistas urbanas)
William Hogarth(1697-‐1764), Joshua Reynolds(1723-‐1792) y Thomas Gainsborough(1727-‐1768) son los ingleses-‐rococos.
En la pintura de Thomas Lister, Reynolds
imita una estatua
Neoclasica en un ambiente de campo Rococo,
que demuestra el paralelismo de las dos escuelas, tal como en el pasado sucedió con las culturas
greca-‐romana que se sobreponen pese al predominio de la primera.
El Estilo Neoclásico comienza a manifestarse hacia mediados del siglo XVIII y terminará
triunfando en los últimos quince años de ese siglo y los quince primeros
del XIX. Es el estilo que fomenta la "belleza ideal" como una reacción
expresa contra las prioridades decorativas del Barroco
y el Rococo. Es un regreso a lo que se creía el
absoluto, es decir el mundo clásico o aquel mundo sagrado de los griegos
y romanos. No importaba a quien se pintaba si era a un griego
o a Napoleón, el ambiente
tenía que ser el
de la Academia con caracteres decorativos clásicos.
En 1775 David visita Roma hasta 1780, un año después que estallara la Revolución en París. El Juramento de los Horacios pintura
de gran tamaño de Jacques-‐ Louis David (1748-‐1825) creador de la pintura neoclásica francesa, es un hito de esta escuela ( hay narices romanas
por todas partes)
y acabo siendo un llamamiento a la Revolución Francesa. Obras de este innovador que claramente retorna
a lo clásico, son también las muertes de Sócrates
( Grecia) y Marat (Revolución Francesa) y por supuesto
los famosos cuadros de Napoleón
cruzando los Alpes que solo difieren en el color de la capa.
El
escultor Neoclasico es Antonio Canova
(1770-‐ 1822)
italiano, quien "revivió el
arte olvidado de la escultura
verdadera" ....la clásica.
Trabajo para Napoleón
y esculpió a sus hermanas en un estilo totalmente clásico.
La arquitectura neoclásica oscila entre "
nostalgias de la severidad, grandeza,
monumentalidad de los romanos, y la gracia,
la elegancia y la pureza
del arte griego".
Benjamín West y John S. Copley son destacados neoclásicos estado-‐unidenses
y los primeros pintores de este país que destacaron a nivel mundial
en el tiempo de la colonia americana.
CAPITULO VI
ROMANTICISMO y ACADEMISMO. IMPRESIONISMO.
1800-‐1900
Dos claras tendencias dominaron el arte del siglo XIX y la primera
mitad del XX. Por un lado los académicos orgullosos del Renacimiento y el Barroco
que reflejaban nitidez
y perfección y por el otro, jóvenes
dispersos que querían
demostrar que sus propias reglas de vida eran las que prevalecerían y el pasado racional ya no tenía sentido. Por gracia o desgracia los artistas se ven libres de las exigencias de la sociedad.
El movimiento romántico
se inicia en España con Francisco de Goya y Lucienes quien con
su realismo como el de las majas en medios cotidianos y las primeras
imágenes difusas de Los Desastre de la Guerra,
abre las puertas
al nuevo estilo liberal, predecesor del Impresionismo y del Arte Moderno.
Es en Francia
donde el Romanticismo como reacción al Academismo tiene
su auge. Empieza con Theodore Gericault
quien desafía a la Academia
al exponer La Balsa de la
Medusa es el Salón de la Exposición de 1819. Ingres
(1780-‐1867) poeta
de lo raro y lo exótico "pintor chino perdido....entre las ruinas de Atenas" si bien admirador
del Renacimiento italiano y sobretodo de Rafael, lo es también
del neoclásico David. Sus
desnudos pintados del espejo muestra
una realidad vidriada
característica fundamental del
Impresionismo. Su verdadero
éxito como pintor fue usar la distorsión.
El Romanticismo francés
también se mezcla
con el patriotismo en las obras de Delacroix (1798-‐1863) al que imita
el americano Trunbull
(1756-‐1843), primer graduado de Harvard que se dedica a la pintura bohemia.
Sin embargo la revolución realista
con el matiz impresionista empieza
a mediados de siglo
en Francia con Gustave Coubert
(1819-‐1877) y Edouard Manet (1832-‐1883) quienes se enfrentan abiertamente a la Academia
y son excluidos de la Exposicion de 1820. Se inspiran en obras de Millet (1874-‐1875) de gran trascendencia como El Angelus
y Las Espigadoras. Verdadera rebeldía
es el Día de Campo de Manet rechazado por los
academistas por el descaro de incluir desnudos no clásicos en un parque
un día cualquiera. Las cosas como son en el día a día y no en su mejor momento,
las muestra Courbet en el cuadro
de su estudio y Manet con la famosa Olympia.
Suceden a estos
genios precursores del Impresionismo o el movimiento artístico
mas conocido
de la historia junto al Renacimiento, Claude
Monet(1840-‐1926), líder indiscutido de los Impresionistas que pintó en París y sus alrededores (Rouen, Givenny, La Havre), destacando la Catedral
de Rouen en sus diversas versiones
de acuerdo a la
posición del sol y muchas pinturas de su jardín
en Givenny.
Entre los otros Impresionistas mas conocidos figuran:
Renoir(1841-‐1919) con sus sonrosadas jóvenes de busto exuberante.Theo Rousseau(1812-‐1867) quien hace
hablar a la naturaleza por si misma.
Edgar Degas(1834-‐1917) dibujante que utiliza el pastel para pintar sobretodo bailarinas de ballet; Henri de Toulouse-‐Lautrec (1864-‐1901) adopta el pastel y pinta con un realismo apasionado a la bohemia
de Montmartre.
Los puntillistas o divisionistas mezclan
la pintura y la química
en el entendido que se obtiene mejor color pintando
a puntitos que pintando corrido.
Destacan en esta Escuela los franceses: George
Seurat(1859-‐1891) quien concentró sus esfuerzos en la construcción pictórica que elaboró
con exactitud matemática y Paul Signac
(1863-‐1935) discípulo del primero, así como Camille
Pissarro (1830-‐1903) francés
anarquista maestro de Gauguin.
En la Inglaterra impresionista destacan
Turner(1775-‐1851) con los dibujos y pinturas difusas
como la del viejo barco Téméraire yendo a ser desguazado en Rotherhithe, John Constable (1776-‐
1837) con sus espectaculares paisajes
del campo inglés en "el Pais de Constable" y Alfred Sisley(1839-‐1899) quien fue el vínculo
impresionista con los dos mencionados.
Alemania tiene su Impresionismo en el aristrocata judío Max Lieberman quien vivió en Berlin
entre el 1847 y 1935 y visitó Francia en muchas oportunidades, pintando paisajes impresionistas de Berlin pero al estilo francés lo que le mereció la enemistad del Kaiser "por admirar lo moderno".
paisajes.
James Ensor destacó en Ostende, Bélgica.
Se inició a los 13 años pintando
En Estados Unidos
destacan: Homer, Hassan, Cassat,
Sargent y sobretodo James Whistler los que vivieron entre
el 1836 y 1925.
Carl Larson
( 1853-‐1919) sueco,
influyo internacionalmente y plasmo la idea del impresionismo escandinavo en la pintura
Finalmente se llama post impresionismo al estilo creativo
y lleno de colorido de Vincent Van Gogh (1853-‐1890) y Paul Gauguin
(1848-‐1903). El holandés
pinta en Auvers
y Arles y Gauguin en Tahiti, La Polinesia, para luego encontrarse en Arles, Francia a discutir sin razones que les dificultan formar la añorada
sociedad de pintores,
sin imaginarse que ambos pasarían
a la posteridad como los pintores mas reconocidos de su tiempo
(fines de siglo XIX).
En 1839 nace en Francia Paul Cézzane. "el
más grande pintor
desde Rembrant" para muchos expertos. Cézzane tiene mucha influencia en la pintura
moderna especialmente en Matisse
y Picasso. Incomprendido por su padre se casó con Hortense Fiquet, Madame Cézzane,
su modelo y aparentemente la causante de que el pintor no tuviera que vivir de su vasta obra. Este artista nunca estuvo satisfecho con sus obras al
punto que evitaba firmarlas. Las Bañistas, sus bodegones, autorretratos y los retratos
de su esposa, reflejan su pasión por el realismo con colores que infringen una fuerza
extraordinaria. Murió en 1906 y marco el paso hacia el modernismo. Una de sus obras por demás sencilla,
denominada Los Jugadores
de Cartas es la mejor pagada de todos los tiempos por el capricho
de un jeque árabe como veremos
en el último capítulo.
La escultura impresionista esta identificada con el francés
Auguste Rodin(1840-‐1917). Aparte
del Beso y El Pensador
sus obras relacionadas con La Divina
Comedia como la Puerta del Infierno son moldeados de mucha calidad
que hacen que se lo compare con los grandes
escultores Miguel Angel
y Donatello.
En Suecia
destacó el escultor
impresionista Carl Milles
(1875-‐1955).
CAPITULO VII
ARTE MODERNO
1,900 -‐ 2,000
Indudablemente la libertad
política y el romper con las ataduras
del academismo indujeron al individuo a expresarse en sus pinturas
sin rigideces. Tambien
los colores vivos de
los impresionistas influyeron en los pintores
que destacan en los 1900.
Henry Matisse(1869-‐1954) es un prototipo
de lo mencionado, representa al fauvismo
una de las corrientes
vanguardias del siglo XX, donde
el carácter esencial
es la emoción que se expresa
en el color generalmente intenso
y revelador. La Danza que se encuentra en el Hermitage en San Petesburgo y el Desnudo
Reclinado reflejan lo dicho.
Pablo Picasso (1881-‐1973) cubista
y Joan Miro (1893-‐ 1983) abstracto son destacados modernistas catalanes que preceden
a Dalí (1904-‐ 1989) y el surrealismo en España. Las señoritas de Aviñón,
prostitutas catalanas pintadas
por Picasso durante
su estadía en Montparnase cuando fue vecino de Camus y Sartre -‐los existencialistas-‐, explica el rompimiento con las tradiciones occidentales y su asentamiento como líder de vanguardia. Picasso es "el indiscutible maestro y principal
innovador del movimiento moderno" como dice Cumming. Destacan
sus periodos rosa y azul de su juventud. La abstracción pura tan en boga en la pintura actual,
nunca le interesó
como sucedió con su
coetáneo Miró.
Salvador Dalí (1904-‐1989) español, extravagante personaje, pero sin duda uno de los
pintores más populares del siglo XX. Pionero
del Surrealismo, sus imágenes realistas
se transforman a través de conceptos freudianos en imágenes intrincadas y perturbadoras. Destacan sus técnicas e imaginación y sin duda su mejor periodo es entre 1928 y 1933.
La arquitectura moderna
en Barcelona logra su apogeo con Gaudí y su arte recargado
y con cierta tendencia gótica
moderna como se proyecta en la interminable
Iglesia de la Sagrada Familia,
el parque Guel y varias
mansiones en el centro de Barcelona
y diversas ciudades de Cataluña.
En Francia Marc Chagall (1887-‐1985) en su obra El Malabarista combina la
fragmentación cubista y el color
impresionista. Chagall
ruso/francés nacido en Rusia, pintó el
techo de la Opera de París.
Gustav Klint austriaco, vivió entre 1862 y 1918 y alcanzo
la popularidad recientemente con sus interpretaciones no muy comprendidas como El Beso, pintadas con
oro y óleo. Sin duda sus obras son muy bien cotizadas económicamente. Klint es un
innovador que va en contra de la pintura tradicional. Fue amigo de Freud y del alcohol.
Amadeo Modigliani (1884-‐1920) italiano y Vassili Kandisky(1866-‐1944) ruso, uno, a través de caras y cuerpos deformados con mucho colorido
y el otro con mucho
color abstracto, son protagónicos del modernismo en Europa.
Piet Mondrian (1872-‐1944) holandés es una de las figuras más importantes en el
desarrollo del arte abstracto. Su estilo es el Neoclasicismo y se basa en líneas
y colores sobretodo amarillo, azul y rojo.
Finalmente el retorno a Van Gogh en El Grito del noruego Edvard
Munch(1863-‐ 1944) sugiere un mundo que se disuelve
en el caos pintado por un neurótico
.
En
América Latina el Modernismo se expresa sobretodo
en México a través de los
murales con características sociales revolucionarias de David Alfaro
Siqueiros(1896-‐1974), Diego Rivera(1886-‐1957) y José Clemente
Orozco(1839-‐1949) y en las pinturas
sufridas de Frida Kahlo(1907-‐1954).
Destacan Matta en Chile surrealista y líder de expresionistas abstractos, Fernando Botero
en Colombia
pintor y escultor
de personajes regordetes en ambientes muy bien logrados. Wilfredo Lam cubano que vivió muchos años en Europa y adoptó técnicas
surrealistas y finalmente
en Perú, Fernando
de Syszlo de estilo abstracto, con innumerables pinturas que son una amalgama
de poesía lírica
y técnicas modernas. Mención especial
merece el arequipeño Teodoro
Núñez Ureta por sus murales
educativos y acuarelas de gran impacto en el Perú de los años 50.
El americano Andy Warhol (1928-‐1987), revolucionó no solo la pintura
sino la filosofía detrás del artista
a quien lo saco de la bohemia poco productiva y lo proyecto como empresario. Sus obras relacionadas con personas marqueteras como Marilyn Monroe y productos de consumo como sopas Campbell
son fácilmente identificadas.
CAPITULO VIII
ARTE CONTEMPORÁNEO
2,000 en adelante
En la INTRODUCCIÓN mencioné que en el siglo XIII se unificó el concepto de arte bajo "bellas artes" y que este nuevo concepto
era y fue por muchos siglos la imitación
de la naturaleza. Mientras más cercana a la realidad
en su mejor momento, mejor era la
obra de arte. Recién en el siglo XIX los románticos amplían
el concepto a la expresión
de los estados internos, es decir a la expresión
de los sentimientos de los artistas, lo cual se aleja de la realidad
y del "mejor momento" tendiendo a lo difuso lo simbólico y lo coloquial.
Efectivamente los Impresionistas son los primeros
que distorsionan la realidad
con indiscutible éxito. La nitidez
de las pinturas renacentistas, barrocas,
rococos y neoclásicas
representan a la Academia, al status-‐quo
y como tal están destinadas a cambiar o innovarse en el mundo
moderno.
Por otro lado y como también se menciono en la INTRODUCCIÓN, después de la Revolución Francesa
según Coubert el artista se favoreció y "paso a ser distinto
al resto de la sociedad, excepto
de las convenciones sociales habituales y libre para poder establecer
sus propias reglas
que transformen la sociedad y las relaciones humanas".
Como podemos observar en el Capítulo VII -‐Arte Moderno-‐ pintores como
Kandinsky, Miró y Mondrian ya no sólo distorsionan la realidad como los impresionistas y Cezzane, Picasso
o Daly sino que la abstraen parcial
o totalmente. Lo que aparece
en el canvas ya no es naturaleza (animal,
vegetal, objetos
materiales) sino signos,
símbolos y colores,
los cuales puede
que representen la realidad pero desde la interpretación
subjetiva que le quiera dar el pintor.
Esta tendencia a lo abstracto
se inicia en la segunda década del siglo XX y se intensifica conforme avanza el siglo.
Se menciono también
en la INTRODUCCIÓN el criterio
empresarial que el americano Warhol le da a la pintura a partir de los 60s. Indudablemente como muchas
otras cosas aunque difíciles de cuantificar, la pintura se ha convertido en un commodity. Existe un mercado para ella donde el precio se fija en base a la oferta y demanda con influencia de los brokers
o merchants y las galerías
de arte. En dicho mercado
no sólo se comercializa la pintura de la época o la contemporánea sino que también
y con ciertas
restricciones la clásica
que logró escapar
de una colección privada o de un museo. Los precios que se pagan han llegado
a los $ 250' en el caso de los Jugadores de Cartas de Cezzane que fue comprado
hace unos meses por un jeque árabe a precio de capricho. Un correo
electrónico recibido recientemente menciona las 10 pinturas más caras
comercializadas en los últimos años:
G Klimt.
P. Picasso.
|
Retrato de Adele
Bloch-‐Bauer. Muchacho con pipa.
|
$ 135'0 104'1
|
P.Picasso.
V. van Gogh.
|
Dora
Maar con gato.
Retrato del doctor Gachet.
|
85'0
82'5
|
A. Renoir.
PP. Rubens.
|
Au Moulin de la Gallete.
La matanza de los inocentes.
|
78'1
76'7
|
V. van Gogh.
P. Cezzane.
|
Autorretrato sin barba.
Rideau. Cruchon et compitier.
|
71'5
60'5
|
P. Picasso.
V. van Gogh.
|
Mujer
con los brazos
cruzados.
Los
lirios.
|
55'0
53'9
|
Creo haber comentado
lo suficiente sobre
los parámetros dentro
los que se desenvuelve el Arte Contemporáneo.
Menciono a continuación algunos
de los pocos pintores contemporáneos de fama internacional que ubico. Luego
enumero pintores peruanos
contemporaneos que me merecen especial
respeto.
El pintor
de la calle, Bansky ( Robert Banks)
difundió el "graffiti" en el Reino Unido, nació en 1974. Will Cotton de Massachussets imita la figura aporcelanada de los
rococos con desnudos clásicos bañados
en helado. Chuck Close estadounidense, nacido en 1940 crea retratos de sí mismo y de sus amigos
en pequeños cuadraditos. La ex bailarina ahora pintora, Susan Rothenberg nacida en 1979 es descrita
por Cumming como "extraña, ligeramente
perturbadora y sintomática del amor estadounidense por el auto análisis
turbado" .....??. Las enormes obras de acero cubiertas de PVC de Anish Kapoor,
nacida en India ocupa un enorme espacio del Tate Modern en Londres.
Considero que tienen mucho mérito las obras de los peruanos
contemporáneos : Tilsa, Revilla, Víctor
Humareda,Venancio Shinky, Ramiro Llona.
Personalmente, aparte de los mencionados, creo que peruanos
de la talla de Galdós Rivas, Ramiro Pareja, Córdoba,
Eduardo Moll, Palao
y muchos acuarelistas nacidos en Cusco y Arequipa,
tienen obras que sin duda son un aporte a la pintura contemporánea. Como dije dependerá
mucho su futuro de los merchans y de las galerías de arte.
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